No importa de qué color.

Cuando hay instrumentos de música en casa el contagio llega solo. El ejemplo es Steve Winwood (Inglaterra, 1948). En el ambiente del rock, Winwood está considerado como uno de los músicos con mayor formación e influencia del jazz. En edad temprana Winwood acompañaba a su padre que tocaba en una banda de jazz de su ciudad natal Birminham. Se puede decir sin duda alguna que Steve Winwood está entre los primeros cinco músicos que consolidaron la escena del rock a través de influencias bien cimentadas entre las que destaca su virtuosismo como guitarrista y pianista, entre otros instrumentos. La música de Winwood es uno de los grandes legados, es reflexiva, en tiempos bélicos como su versión de Why C´ant We Live Together, que el músico norteamericano Timmy Thomas (1944-2022), compuso en contra de la guerra de Vietnam. En esta canción el órgano de Timmy se hermana con el estilo de Winwood a manera de pacto musical.

Germán Montalvo

Hay artistas cuya obra no solo documenta una época, sino que la explica, como Herman Leonard. Durante más de medio siglo, este fotógrafo estadounidense convirtió la penumbra de los clubes nocturnos en una revelación estética y moral. Allí, entre humo, sudor y música improvisada, Leonard encontró el escenario perfecto para fijar en la memoria visual del siglo XX el rostro irrepetible del jazz.

Nacido en 1923 en Allentown, Pensilvania, hijo de inmigrantes judíos rumanos, Leonard creció en una América que aún no imaginaba el poder cultural que alcanzaría su música popular. La Segunda Guerra Mundial interrumpió su juventud: sirvió como técnico médico en Birmania, junto a tropas chinas que combatían al ejército japonés. Aquella experiencia, marcada por la fragilidad humana y la cercanía de la muerte, dejó en él una mirada atenta al instante, al gesto mínimo, a la dignidad que persiste incluso en circunstancias extremas.

Tras la guerra, estudió fotografía en la Universidad de Ohio, entonces la única institución en Estados Unidos que ofrecía un grado formal en esa disciplina. Más tarde fue aprendiz de Yousuf Karsh, el gran retratista de líderes y celebridades. De Karsh heredó el rigor técnico y el respeto por el retrato, pero pronto Leonard eligió un camino menos solemne y más visceral.

En 1948 abrió su estudio en Greenwich Village, Nueva York. No tenía dinero para pagar la entrada a los clubes de jazz de la calle 52, así que hizo un trueque tan simple como audaz: fotografías a cambio de acceso. Los músicos aceptaron encantados. Así comenzó una relación de complicidad entre el fotógrafo y los artistas que definirían una era. Leonard no era un intruso; era un testigo silencioso.

Sus imágenes de Billie Holiday, Charlie Parker, Miles Davis, Duke Ellington o Nat King Cole no son meros retratos promocionales. Son escenas íntimas, capturadas en el momento exacto en que el músico parece dialogar consigo mismo. El humo espeso, la luz oblicua, el fondo casi inexistente: todo contribuye a un clima de concentración y soledad compartida. Leonard comprendió que el jazz no se toca para el público, sino contra el tiempo.

Técnicamente, su trabajo era una proeza. Utilizaba una pesada cámara Speed Graphic de gran formato y apenas podía disparar unas cuantas placas por noche. Colocaba un flash detrás del músico, creando un halo luminoso, y otro a un costado del escenario. El resultado era una iluminación dramática, casi teatral, que hoy reconocemos como su firma visual. Cada disparo era una decisión irreversible.

Su carrera no se limitó a Nueva York. Trabajó para revistas como Life, Esquire y Playboy, fue fotógrafo personal de Marlon Brando en un viaje por Asia y se estableció en París, donde colaboró con Barclay Records y retrató a figuras como Jacques Brel y Charles Aznavour. Más tarde incursionó en la moda y el fotoperiodismo, sin abandonar nunca su vínculo con la música.

En 1980 se mudó a Ibiza y luego a Londres, donde una exposición sobre su trabajo jazzístico atrajo a miles de visitantes y reavivó el interés por su obra. Finalmente encontró su hogar en Nueva Orleans, ciudad cuya tradición musical parecía prolongar la suya. Allí vivió catorce años, hasta que en 2005 el huracán Katrina destruyó su casa y su estudio. Miles de fotografías se perdieron, pero sus negativos —resguardados en un museo— sobrevivieron. Fue una tragedia material y, al mismo tiempo, una confirmación de que lo esencial había resistido.

En sus últimos años, ya instalado en California, Leonard vio cómo su archivo era digitalizado gracias a una beca de la Fundación GRAMMY. Su obra ingresó a los archivos permanentes del Instituto Smithsoniano y fue celebrada con exposiciones retrospectivas y premios, entre ellos el Lucie Award, entregado por su amigo Tony Bennett. Murió en 2010, consciente de haber cumplido una misión.

Decir que Herman Leonard fue el mejor fotógrafo de jazz no es una exageración retórica, sino una constatación histórica. Sus imágenes no solo muestran a los gigantes del género; nos enseñan cómo se veía la libertad cuando aún se tocaba en clubes pequeños y se desvanecía con la última nota. En tiempos de ruido digital y sobreexposición, su obra nos recuerda que a veces basta un destello de luz para hacer eterno un instante.